miércoles, 2 de diciembre de 2015

Contra el imperio de la droga


Jimmy Doyle y Buddy Rosso son dos policías neoyorquinos que siguen la pista de una red de traficantes de drogas. El primero, que confía en su olfato, sospecha que una confitería de Brooklyn está implicada y convence a su jefe para intervenir la línea telefónica. Poco después, Doyle y sus hombres siguen al dueño de la confitería, que los conduce hasta Nicoly y Charnier, dos franceses que acaban de llegar a Estados Unidos. 
Dirigida por William Friedkin
1971


Directa, real y sucia, asi se nos presenta el film de 1971. Podemos notar -y no de manera sutil- el cambio en el cine de la época, se estaba haciendo más televisivo y nuevos valores surgidos de la pequeña pantalla empezaban a trabajar en la industria del cine.  Casi todos los que estuvieron involucrados en la produccion de film era eran neofitos dandole un aire frescoy renovado el cual se expresará ideas muevas, como zooms, cámara en mano, giros de cámara brutales, y una estética como decía antes un tanto kitsch. 

Taxi Driver


Dirigida por Martin Scorsese
1976


La producción del film trata de proyectar una falsa calma que agrava la tensión que se produce dentro de la trama. Ayudado en labores de cámara por el operador Michael Chapman, que no en vano firmaría aquí, junto a la venidera ‘Toro salvaje’ (‘Raging Bull’, 1980) su mejor trabajo, Scorsese alcanza la perfección técnica absoluta en la planificación y el montaje, y la maestría total en el ritmo, el tono y el punto de vista de la historia. Nueva York como una ciudad inhóspita, gélida y llena de peligros, que a través del punto de vista (cada vez más demente) de Travis, se convierte en un infierno que él, ángel exterminador, debe purgar.
Y aunque Scorsese comprende en parte a su protagonista, bajo ningún concepto comparte su visión del mundo. Es decir, nos invita a seguir a este taxista, pero nos deja bien claro que no se identifica con él, al contrario de lo que han querido ver algunos críticos. En ningún momento, salvo en los planos fantasmagóricos de las luces de la ciudad, obtenemos planos subjetivos, que imiten la mirada del personaje central. Terminamos sospechando que su extrema alteridad es la razón fundamental por la que el curioso impenitente de Scorsese nos narra esta historia.





Historia de un vecindario

Film que nos proporciona  una mirada casi fija de la realidad japonesa de la época.  Reed, ya que no es nervioso, sí que se toma su tiempo para enfocar desde el ángulo perfecto, define muy bien los espacios con sus picados desde altura; luego picados desde abajo y mirando hacia arriba, y filma con grandilocuencia ese monólogo bíblico. Además de las cafeterías, locales y esas escaleras sinuosas, también saca la cámara a la calle; es quizás Reed el mejor retratista de ciudades del cine.
Dirigida por Carol Reed
1947
Enormemente sobreacogedora, el film destaca la excelente representación de los de personajes que nos evoca a las costumbres -ya antes mencionado- de la época, um thriller de primera, una película de aventuras magnífica, una historia de amor única. Lo tiene todo, absolutamente todo, y Reed maneja todos esos elementos de forma prodigiosa para servirnos una película que se disfruta como un enano desde el primer minuto hasta el último. Reed va directo al grano desde el principio, y con un excelente ritmo nos sumerje en la historia, para no dejarnos salir hasta el final, y aún entonces, seguimos inmersos en ella horas después de haberla visto.


Casa blanca

La trama de la pelicula si bien no se centra en una sola locación, el lugar más importante de lejos sera El alma de la película es el Rick’s. un local en donde se toca música en vivo y se puede tomar y comer. El diseño de producción de Carl Jules Weyl, que ya había trabajado con Curtiz con anterioridad. Escenarios que van a servir para el viaje de redención y perdón de Rick, el cínico con el corazón roto, que comienza dándoselas de duro con los oficiales y los banqueros alemanes, para luego ser un anti-héroe, lejos de la ideología de Víctor, pero igualmente sacrificado.
                    Dirigida por Michael Curtiz
                                        1942


Se encuentran diálogos increíbles, como ese tan famoso de “si pensara alguna vez en ti...probablemente te despreciaría”, y una fotografía muy interesante, muy visual, pues Curtiz quería contar la historia con sombras y planos, más que con exposiciones de tramas. De todas formas, y aunque hay una gran inventiva en el uso de sombras y movimiento de cámaras, y a pesar de la influencia del expresionismo alemán, permanece el convencionalismo de la época en detalles como los primeros planos de Ingrid Bergman, siempre con filtros suaves, tan típicos de aquellos años. Lo que no era tan típico es que una producción tan cara no tuviera un final cerrado en el rodaje, pues nadie sabía con quién se quedaría finalmente Ilsa.








Tres colores: azul

El argumento central de este largometraje es que en Julie (Juliette Binoche), una mujer que acaba de perder a su marido y a su hija en un accidente de coche. Tras el shock inicial y diferentes intentos de terminar con su vida, veremos la forma de esta joven de encarar la nueva situación y decidir si continuar con la obra inacabada de su marido, un famoso compositor al que se le había encargado una pieza para conmemorar la unificación europea.

 

El director utilizará los colores para expresar los sentimientos de sus personajes y para marcar el tono de cada una de las historias. Blue es un complejo estudio psicológico sobre la libertad  (representada por el color azul).

Dirigida por Krzystof Kieślowski

1993

Lo interesante en esta película es su total falta de ataduras para mostrar la evolución del personaje protagonista. No se preocupa por la impresión del público, si vamos a comprender sus actos después de esta tragedia, si su transformación es lógica y consecuente; solo con ser fiel a la verdad de su esencia. Y esa es la impresión, que todo lo que vemos es limpio, no hay intento de manipular a la audiencia creando momentos impactantes. Así, la sencillez es la nota dominante, y elementos tan poco casables como el suicidio, el engaño, un/a amante, una prostituta, una madre, un ratón, una piscina o una melodía cobran importancia en la historia.

Sensorial, no intelectual. No es  por ello necesario un análisis intelectualista e ínfulas artísticas para entenderla y disfrutar con ella. No es un film de ritmo vertiginoso, es más bien lenta cierto, tiene tendencia a aburrir y un despiece de sus virtudes es inevitable que dé pie al rechazo. Pero el que sea una película sensorial, que evoca a las emociones y las experiencias de que cada uno, se torna en su principal virtud.


Rescatando al soldado Ryan

Steven Spielberg realizará un film que escapa más allá de la grandiosidad de los relatos épicos anteriormente producidos, a través de su obra magna  Rescatando al soldado Ryan, que desde el inicio sudece al espectador con la increíble escena del desembarco de Normandía, el desembarco, está bastante claro que el director es muy otro que el de las blandenguerías de 'Amistad' o 'Parque Jurásico'. Con un uso de la cámara asombroso, con un diseño de sonido espectacular, desembarcamos nosotros espectadores, literalmente, en las playas de Normandía, en donde deja relucir su gran ingenio en el aspecto técnico como en medios. Pero si bien nos deja con la boca abierta el inicio de la película hay un contraste con lo que sigue después
Dirigida por Steven Spielberg
1998

Teniendo en cuenta que Spielberg termina el prólogo con el rostro del anciano en el cementerio, y corta casi al rostro de Tom Hanks, podría parecer que son el mismo personaje, el interesante capitán Miller. Pero resulta, como todos sabemos, que el anciano es el propio Ryan. Dejando a un lado que me parece caprichoso e innecesario este juego con el espectador.
Pero por suerte, este grandioso proyecto posee suficientes alicientes y virtudes como para soslayar la incómoda certidumbre de que incluso se podría haber llegado más lejos. Para empezar su tratamiento visual, que es uno de los más acabados de su carrera. Pocas veces la guerra ha sido tan sucia, verdadera, real. El diseñador de producción Tom Sanders y el director de fotografía Janusz Kaminski, se unieron para ofrecer al espectador unos ambientes y una imagen impresionantes. Con los colores desaturados y una puesta en escena casi documental, nos introducimos en una Europa derruida, esquilmada, y vivimos en nuestra piel ese viaje a la Francia ocupada, de inigualable fuerza plástica.
Una de las grandes virtudes de esta película es su sencillez, su linealidad. El duelo entre francotiradores, el tiroteo salvaje contra los nazis al derrumbarse un muro, pero también el error a la hora de identificar a Ryan, el tobillo dolorido del personaje de Giamatti, la apuesta sobre la procedencia y la profesión del capitán.


Those awful hats

Cortometraje realizado por David W. Griffttih en el año de 1909 en Estados Unidos. La historia se lleva a cabo en una pequeña sala de cine la cual esta llena de gente, entre la multitud se aprecian hombre y mujeres, estas ultimas en mayor cantidad y llevan sombreros. 
El punto de quiebre se da cuando los sombreros que exhiben las mujeres asistentes al cinema son en demasía exagerados y voluminosos que impiden la visión apropiada de los espectadores.  
El cortometraje culmina cuando se enfoca un cartel que reza la siguiente frase: "¡Señor, por favor, quítate el sombrero".
Lo peculiar de este cortometraje es que nos presenta escenas irrisibles y habituales que toman un giro inesperado que nos invitan a tomar no tan enserio el arte cinematográfico. 

El moderno Sherlock Holmes

 Buster keaton - 1924 
El moderno Sherlock Holmes
Comedia

Dirigida por Buster Keaton, El moderno Sherlock Holmes nos relata las fantasías y peripecias que padece el protagonista -Buster- con relación a su vida amorosa y sus expectativas en la vida. En el film Buster interpreta a un proyeccionista que fantasea con atravesar la pantalla de cine y convertirse en un personaje de película que consigue todo aquello en lo que ha fracasado en la vida real. De todos los momentos icónicos y memorables que nos ofrece Keaton, hay dos que destacan por su calidad y creatividad. 
El primero es por supuesto la escena en que Sherlock Jr. penetra en la película. Para conseguir el efecto de entrar en la pantalla, Keaton simplemente rodó la escena desde un plano general en que en realidad no había ninguna pantalla de cine, sino unos actores en el escenario representando la escena que supuestamente se está proyectando. Luego se producía un corte a partir del cual sí que se veía una película.
Es entonces cuando se produce el gag más famoso de la escena. Se van sucediendo una serie de planos que provocan que Sherlock Jr. pase a estar en situaciones y escenarios inesperados: una ciudad, la sabana africana, un precipicio, etc. La gracia del gag es que en cada corte Sherlock Jr. está en el mismo sitio pero cambia el entorno, y la forma de conseguirlo fue la más artesanal de todas: grabaron los planos en esos diferentes escenarios midiendo cuidadosamente que la posición de Keaton respecto a la cámara fuera exactamente la misma que en el plano anterior.
El segundo gran momento de la película y que aún a día de hoy resulta muy sorprendente tiene lugar en la escena en que Sherlock Jr. huye junto a su ayudante de los gángsters. En cierto momento se encuentra en un callejón sin salida, pero aparece su ayudante disfrazado de vendedora ambulante y le ofrece escapar saltando por el maletín que lleva. Acorralado, Sherlock Jr. salta dentro del maletín y desaparece.
Para finalizar podemos realizar una conclusión en general y es que el cine de Buster Keaton siempre ha tenido un alto componente fantástico y de todos sus largometrajes, el que potencia más ese aspecto es esa obra maestra llamada El Moderno Sherlock Holmes (1924).

La lucha Corbett-Fitzsimmons




The Corbett-Fitzsimmons Title Fight  realizada 1897 por Enoc J. Rector  en es la primera película que tiene como duxración entre 90 a 100 minutos de duración, también se constituye como pionera en cuanto a tratar el tópico sobre deportes y además ha sido seleccionada dentro de los 24 films históricos que integran   la valiosa colección patrimonial del Archivo Cinematográfico Nacional de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.
Este documental nos sitúa dentro de una pelea que se desarrolla  por el título de peso pesado y tuvo como protagonistas al norteamericano James John Corbett y el retador inglés Robert James Fitzsimmons. La producción estuvo a cargo William A. Brady el cual utilizo tres cámaras con un doble sistema tecnológico, además de emplear el formato de imagen para una pantalla más ancha y panorámica.
Entre los aportes más importante de este largometraje fue que propulso a que el cine se convirtiera en un negocio rentable ya que este combinaba un gusto masivo (lo popular del deporte) con un ápice de controversia. Otro aporte importante que posee una repercusión social es la apertura del Boxeo al populis femenino. Esta película permitió a las mujeres un acercamiento a la imagen casi desnuda del cuerpo masculino que solo estaba reservada a los mismo hombres o a las prostitutas. 
Por los aportes ya mencionados y la calidad del largometraje su contribución al mundo del arte cinematográfico es la consolidación de este mismo.  








The sick kitten

El ingles Albert Smith realiza un cortometraje en 1902 inspirado -como ya lo hemos visto en los anteriores post- en lo cotidiano de la vida. The sick kitten es una versión ulterior del film titulado "The little doctor" grabado en 1901 y que no logró supervivir hasta nuestra época. 

El gatito enfermo se encuentra ambientado en una habitación en la que se ven dos niños y un pequeño gato, en un plano largo y estático. Smith logra la innovación en este film utilizando un recurso cinematográfico que se denomina primer plano, mostrando en detalle la interacción que recibe el gatito por parte de la niña; esta escena se resume a cómo el gatito toma la cucharada de medicina por parte de su dueña. Smith tuvo mucho temor al recurrir a este tipo de maniobra por reacción negativa que podría recibir del público que estaba acostumbrado a un plano distante y estático (Teatro).
The Sick Kitten bye
Albert Smith
El esteticismo logrado por Smith se muestra a través de una escenografía minimalista pero que cuida al distribuir "los objetos" a manera estratégica para no abarrotar el plano y al mismo tiempo darle protagonismo a la escena que se desarrolla. Otro punto importante es el vestuario que llevan los dos niños, en especial el del niño ya que su vestimenta no corresponde a su edad más lo muestran como una persona adulta, a diferencia de la niña que  viste acorde a su edad; en ambos personajes se refleja la moda dela época y representan documentos históricos así como una expresión artística de la época en la cual se produjeron 
link: https://www.youtube.com/watch?v=Lpit_5hQK4w


A kiss in the tunnel



Cortometraje inglés de 1899 que nos presenta -otra vez- al igual que "Llegada del tren a la Ciotat" un tren en movimiento el cual entra en un túnel y una pareja que se  encuentra en un camarote aprovechará la oscuridad para darse un beso.


















                                                                               Este film posee muchas innovaciones con respecto a los cortometrajes realizados previamente. En primer lugar vamos a encontrar un nuevo formato de grabación es cual se denomina travelling subjetivo, el cual consiste en el movimiento de la cámara conjunto al objeto en desplazamiento, recurso que se utiliza para darle profundidad y dinamismo al film.
Actores interpretando
 a la pareja
En segundo lugar podemos apreciar una innovación en el tipo de edición que se utiliza en el cortometraje, ya que encontramos el primer precedente de lo que actualmente denominamos "montaje". Smith juega con las dos tipo de escenas para crear paralelismo contrastanteque nos remita a los más instintivo de la apreciación que tenemos de la realidad  como seres humanos. Así pues veremos una dualidad ambivalente; dentro, fuera; abierto, cerrado; público, íntimo.

La tercera y última innovación que este film nos presenta es la escena del beso, una escena de alto contenido erótico y escandalosa para la época, revelando la apertura pública de lo sensual y sexual durante el siglo XIX

Annabelle Danza Serpentina


Fillm Realizado por William KL Dickson y William Heise.

Cortometraje mudo estadounidense, creado y  distribuido por  Manufacturing Company  en 1895 y se compone como uno de los tantos cortometrajes producidos por esta compañía antes del siglo XX. En dicho cortometraje se nos  presenta la famosa danza serpentina de Annabelle Whitford Moore la cual nos hace recordar a las pinturas de Toulouse Lautrec en la cual representaba a Loie Fuller en medio de su espectáculo en el Moulin Rouge.

Loie Fuller
Toulouse Lautrec
Al igual que Loie, la danza en el cortometraje se enfatiza por el uso de gasas de seda que viajan con rauda y a la vez sutil esquivez armoniosa.  La estética de la película radica en la expresividad del lenguaje corporal al cual apela la bailarina en contraste con un fondo estático y visualmente poco llamativo, recurso que se utilizó para acentuar aún más la vivides de los movimientos realizados. 






Llegada del tren a la Ciotat


La llegada del tren a la Ciotat o como su título original  "L'Arrivée d'un train à La Ciotat" ha sido uno de los films más importantes e icónicos el de la historia realizado en 1895 en Francia, teniendo como directores a Louis Lumière y Auguste Lumière.

Realizada por los hermanos Llumiere. 
En él se  proyecta como su mismo título lo describe “la llegada de un tren” hacia su destino final. Los hermanos Lumiers nos muestran que atreves de lo cotidiano nos pueden dar la opción de imaginar, crear y soñar con formas  que si bien nos son muy familiares al mismo tiempo se nos revelan (o por lo menos en esa época) como nuevas y excitantes, así pues sobre lo habitual recae un de halo de  esteticismo y grandiosidad que hacen de este film un poema visual.